Мода – це мистецтво? Це питання може бути предметом нескінченних дискусій. Критики стверджують, що мода занадто залежить від комерції, товарів, сезонів та людського тіла. З їхньої перспективи, одяг набуває значення тільки в процесі носіння. Вважається, що сам по собі він не може існувати нарівні з картиною, скульптурою чи іншим витвором мистецтва. Однак, якщо поглянути на дрес-код Met Gala 2026, відповідь стає зрозумілою: так, мода здатна бути мистецтвом.
Картина Вінсента ван Гога поруч з одягом Yves Saint Laurent і Джонатана Андерсона для Loewe. Фото: © Anna-Marie Kellen / The Metropolitan Museum of Art
Реклама.
Історія пропонує безліч аргументів на підтримку цієї ідеї. У минулому були численні етапи, коли одяг ставав невід’ємною частиною культури, виходячи за рамки звичайної практичної потреби. У подібні моменти дизайнери могли змагатися з діячами сучасного мистецтва. Це не передбачає, що кожен предмет гардеробу варто оцінювати за стандартами музею. Однак іноді доцільно подивитися на основні етапи історії моди крізь погляд куратора. Такий аналіз допомагає осмислити не лише значущість цих моментів самих по собі, а й те, як вони вплинули на культуру, стиль та наше розуміння одягу в цілому. Далі — дизайнери, які були рушіями цих змін.
Ельза Скіапареллі
Photo: WWD/Getty Images
Твори Ельзи Скіапареллі слугують одним із найпереконливіших доказів того, що роль моди як мистецтва тривалий час недооцінювали. У період між двома світовими війнами Скіапареллі була тісно пов’язана з напрямом сюрреалізму та співпрацювала з Сальвадором Далі та Жаном Кокто. Проте, оскільки вона створювала саме одяг, її роботи часто сприймали не як самостійне художнє твердження, а скоріше як щось практичне та комерційне. Саме тут і криється парадокс. Сюрреалізм активно використовував тему жіночого тіла, підсвідомого та незвичайного в буденному житті. А Скіапареллі переносила ці концепції не на полотно чи в галерею, а безпосередньо в одяг. Її Shoe Hat і Skeleton Dress не лише відтворювали сюрреалізм, а й робили його наочним у реальному світі. Вони викликали обговорення тіла, жіночності, предметів побуту та лінії розмежування між модою та мистецтвом.
Ів Сен-Лоран
Photo: PIERRE VERDY/AFP/Getty Images
Небагато колекцій так переконливо розмивали кордон між модою і творчістю, як колекція Іва Сен-Лорана, представлена в 1965 році. Приблизно чверть представлених образів були алюзією на роботи Піта Мондріана — нідерландського митця, одного з ключових представників групи De Stijl. Найбільшої слави набули лаконічні сукні прямого крою в дусі 1960-х. Їхня чітка геометрична форма слугувала ідеальним полотном для кольорових блоків, виконаних в основних кольорах — червоному, синьому, жовтому, білому і чорному. Шви, лінії крою та конструктивні деталі були акуратно вписані в чорні графічні межі, тому сама форма сукні взаємодіяла з композицією. Колекція стала одним із найбільш значущих прикладів того, як мистецтво може бути інтегровано в одяг, не втрачаючи при цьому своєї сили.
Джанні Версаче
Photo: Sean Thomas
Світ моди завжди мав тісний зв’язок з поп-артом. Він оперує бажаннями, образами, відомими особистостями, масовою культурою та предметами, які швидко стають символами своєї епохи. Саме ці аспекти привертали увагу і поп-арту: не віддалене “високе” мистецтво, а сфера реклами, глянцю, кінематографа, облич та товарів, які є загальновідомими. Енді Воргол добре розумів цю сферу. У 1950-х роках він працював як модний ілюстратор для Vogue, а згодом заснував Interview — видання, яке і сьогодні залишається важливою частиною медійного простору моди. У 1991 році Джанні Версаче звернувся до спадщини Воргола напряму. Він розробив вечірню сукню з яскравим колажем, що складався з портретів Мерилін Монро, одного з найвідоміших образів художника.
Рей Кавакубо
Photo: Spotlight/Launchmetrics
Архів Comme des Garçons сам по собі є ніби окремим курсом з історії мистецтва. У 1990-х роках бренд співпрацював із Сінді Шерман для створення рекламних кампаній. Він видавав знаковий журнал Six із його складною, майже езотеричною візуальною мовою. З 1970-х років Comme des Garçons підходив до моди настільки нестандартно, що його часто простіше розглядати не лише як модний дім, але як повноцінну концептуальну практику. Однак серед усього доробку бренду варто виділити колекцію Dress Meets Body, Body Meets Dress сезону весна-літо 1997 року, автором якої є Рей Кавакубо. Кавакубо піддала сумніву саме уявлення про те, яким має бути жіноче тіло в моді. Сукні в цій колекції не підкреслювали фігуру у звичному розумінні та не прагнули зробити її “ідеальною”. Натомість вони створювали дискомфорт, напруження і дивне відчуття занепокоєння.
Мартін Маржела
Photo: Marcio Madeira/Style.com
Практично вся концептуальна мода, що зародилася у 1990-х роках, так чи інакше бере свій початок від Мартіна Маржели. Він організовував покази колекцій на дитячих майданчиках, розташованих у передмістях Парижа. Створював кутюрні вироби з лляної тканини, яка зазвичай використовується для манекенів. Крім того, він представив білі речі в поєднанні з прикрасами, виготовленими з рожевого фарбованого льоду. Лід танув прямо під час показу, залишаючи рожеві відбитки на одязі моделей. Маржела постійно переосмислював саме поняття розкоші. Його одяг спонукав до роздумів про складові системи: покази, вартість речей, авторство, матеріали, бажання, статус. Часто він не тільки піднімав ці питання, але й руйнував самі правила, на яких базувалася індустрія.
Александр Макквін
Photo: Rex
У журналістиці про моду слово “перформанс” часто використовується дещо легковажно. Ним називають будь-який показ, де відбувається щось більш виразне, ніж звичайний вихід моделей на подіум. Однак у випадку з Александером Макквіном це слово є дійсно доречним. Його покази були не просто презентаціями колекцій, а повноцінними видовищами з особистою драматургією, напругою та відчуттям небезпеки. Згадайте показ Voss і Кейт Мосс у замкнутому скляному просторі. Або Шалом Гарлоу, яка кружляла на подіумі, у той час як роботизовані руки розписували фарбою її багатошарову тюлеву сукню. Або моделей у складі на Borough Market, де їхні контури мерехтіли у світлі палаючого автомобіля. Макквін володів умінням створювати не лише одяг, а й цілий світ навколо нього. Його покази впливали на глядача не лише візуально, а й фізично: вони лякали, зачаровували, тривожили й не дозволяли відірвати погляд. Він говорив про людське тіло, страх, бажання, красу, насильство та вразливість. Саме тому Макквіна можна вважати справжнім митцем, незалежно від того, чи працював він із тканиною, простором або видовищем.
Марк Джейкобс
Photo: Courtesy Louis Vuitton.
Небагато хто так послідовно ставив мистецтво в центр уваги модної індустрії, як Марк Джейкобс протягом своїх 16 років у Louis Vuitton. Він став одним із перших дизайнерів, які перетворили колаборацію люксового бренду з художниками на окремий напрямок діяльності. Джейкобс відкрив широкій публіці яскраві, майже психоделічні світи Стівена Спрауза, Яйої Кусами та Такаші Муракамі. Ці спільні проєкти змінили сприйняття Louis Vuitton. Традиційний французький дім, відомий насамперед своїми дорожніми валізами, поступово перетворився на великий культурний бренд. Крім цих резонансних колаборацій, Джейкобс співпрацював із Френком Гері, Сінді Шерман і Рей Кавакубо над більш скульптурними об’єктами для проєкту Iconoclasts 2014 року. Таким чином, він відкрив шлях до більш глибокого діалогу між модою та мистецтвом, в якому важливим був не лише комерційний аспект, але й сам об’єкт, його форма, зміст і культурна значущість.
Шейн Олівер
Photo: Spotlight/Launchmetrics
Нью-Йорк є містом, де мода, мистецтво, клубна культура і перформанс існують поруч. Одним із дизайнерів, що найбільш сміливо працювали на цьому перетині, є Шейн Олівер, засновник Hood By Air. Його бренд створив навколо себе унікальну культурну сцену, де подіум перетворився на місце для обговорення тіла, сексуальності, раси, квір-культури, нічного життя та сили образу. На подіумах бренду з’являлися художники та митці, зокрема Джуліана Гакстейбл і Вольфганг Тільманс. У той час такі появи ще не були загальноприйнятою практикою для модних показів. У 2016 році Hood By Air навіть співпрацював з PornHub. Це був сміливий і дуже помітний маркетинговий хід, який сьогодні можна розглядати як один із ранніх прикладів вірусних партнерств у світі моди.
Телфар Клеменс
Photo: John Lamparski
Модні бренди вже давно беруть участь у великих мистецьких виставках і ярмарках. Проте у 2016 році Telfar зробив це у спосіб, відмінний від більшості. На Берлінській бієнале незалежний нью-йоркський бренд представив одяг не як частину показу чи рекламної кампанії, а як елемент мистецької інсталяції. У виставковому просторі були розміщені манекени, що нагадували самого Телфара Клеменса. Вони були одягнені в речі Telfar — повсякденний одяг із незвичайними пропорціями та дещо дивним кроєм. Поряд демонструвалися відеоінсталяції Хіто Штайєрль і Джона Рафмана. Таким чином, речі Telfar опинилися в одному просторі з творами сучасних художників, а не в магазині чи на подіумі. Це було важливо, оскільки Telfar показав: навіть одяг комерційного призначення може функціонувати як складова мистецького вираження.
Джонатан Андерсон
Photo: Virgil Claisse/Gamma-Rapho via Getty Images
Джонатан Андерсон вже тривалий час колекціонує твори художників, надає підтримку мистецьким проектам і виступає куратором виставок у великих лондонських галереях. У Loewe він часто робив мистецтво центральною темою колекцій. Тому простори його шоу часом нагадували не типовий подіум, а тимчасові музейні експозиції. Одним із найкращих прикладів є чоловічий показ Loewe осінь-зима 2024/2025. Місце проведення показу було оформлено як каплиця. Однак замість традиційних вітражів у ній з’явилися колажі та відеороботи американського художника Річарда Гокінса. Вони мали наївний, майже жартівливий вигляд, але водночас містили відвертий еротичний підтекст. У відео чоловіки з оточення Loewe позували так, ніби знаходилися між образом cam-boy і святого мученика. У такий спосіб Андерсон висловлювався про культ чоловічого тіла в цифровій культурі. Це був коментар про вуаєризм, ексгібіціонізм і наше прагнення спостерігати за іншими.
Шинейд О’Дваєр
Photo: Sharna Osborne. Courtesy Sinéad O’Dwyer
Випускні покази в школах моди часто надають дизайнерам більшу свободу, ніж комерційні колекції. Саме там одяг може бути ближчим до мистецтва, оскільки автори працюють не лише з кроєм, а й із тілом, формою та матеріалом. Так було на магістерському показі Royal College of Art у 2017 році. Однією з найпомітніших робіт стала презентація ірландської дизайнерки Шинейд О’Дваєр, яка працює в Лондоні. У ній брали участь моделі різних розмірів і з різними фізичними особливостями. Вони позували спокійно й велично, майже як фігури на фресці прерафаелітів. О’Дваєр представила скульптурні вироби, створені за формами тіл двох її муз. Вони були виконані з екструдованого силікону, у якому наче застигли складки сатину. Це були радше скульптури, ніж звичайний одяг: їх було складно відтворити й майже неможливо носити в повсякденному житті. Однак ця презентація набула важливого значення, оскільки прямо говорила про те, чого моді ще бракує: реальних жіночих тіл, різноманітних розмірів і різного життєвого досвіду.
За матеріалом vogue.co.uk